馬友友．絲路之旅在台灣
Silk Road Ensemble with Yo-Yo Ma

2000年，絲路計畫正式成立，
馬友友和絲路合奏團就像文化的傳播者，一步步走訪世界，
音樂廳、戶外廣場、博物館、世界博覽會、哈佛大學、史丹佛大學，
並成功讓城市全民參與─芝加哥計劃、紐約計劃。

歷經10年，絲路計劃台中特別演出
跨越文化、音樂、歷史的偉大旅程，
星空音樂會將在台中展開。
星空音樂會
4/24台中圓滿劇場 Fulfillment Amphitheatre, Taichung
│曲目 Programme│
即興樂曲：徘徊之風/中國民謠：陽春白雪/阿布─哈里爾：阿拉伯圓舞曲/達斯：史麗絲提/羅姆民謠：奧爾特河之歌/佩拉帕斯科洛：土耳其民謠/即興樂曲：波斯民謠/中國民謠：燕子/中國民謠：十面埋伏

如果「交響情人夢」中野田惠的音樂追尋之路曾讓你感動或大笑；如果你想親身感受千秋真一被野田惠琴聲深深撼動的心情，你必然不能再錯過交響情人夢的電影版~

 內容摘自-愛上交響情人夢blog 、交響情人夢官網

誰是當今世界排名第一的交響樂團？英國知名古典音樂雜誌《留聲機》，召集歐亞美三洲樂評人，針對全球交響樂團進行評比選出前二十大名單。出爐結果顯示，全球第一換人，常勝軍柏林愛樂和維也納愛樂退居二、三，阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團笑傲群雄，榮登第一。

音樂並非運動，好壞沒有客觀的衡量標準，每當論及排名，總會引起樂團的不以為然，然而站在樂評的角度真金不怕火煉；繼前法國《音樂世界》雜誌選出歐洲十大樂團之後，英國《留聲機》再接再厲，選出結果美國入選七團數量最多，其次是德國的四團以及俄國的三團，近來努力提升交響樂團水準的法國掛零。

與指揮楊頌斯麻吉 聲望暴漲

雜誌邀請十一位評選委員，包括三位英國、兩位美國、兩位亞洲，法國、德國、荷蘭、奧地利各一位，以著名音樂雜誌主編和樂評為主。《留聲機》總編輯英凡能(James Inverne)強調，在世界村的概念下，樂團也出現全球化的趨勢，失去獨樹一幟的風格，舊有的傳統也逐漸流失，票選中有自我特質的樂團更受青睞。

票選排名第一的阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團，四年來在指揮楊頌斯(Mariss Jansons)的帶領下，在全球的聲望暴漲，大會堂的特色在於細膩的音色和高度的塑造力，遇上喜歡玩聲音魔術、雕塑細部的楊頌斯一拍即合。

相較之下，柏林愛樂和指揮拉圖(Simon Rattle)的關係時而緊繃，之前甚至傳出，柏林有意不再與拉圖續約。有趣的是，若不是楊頌斯之前因健康因素沉寂一段時間，不少樂評人認為，二○○二年繼任柏林愛樂音樂總監的人選，將不會是拉圖而是卡拉揚的弟子楊頌斯。

美國樂團入選七團 是大贏家

美國樂團入選七團為此次票選的大贏家，以芝加哥交響樂團排名第五最高。之前數次被樂評抨擊水準退步的「美國五大樂團」，除了與前任音樂總監艾森巴赫相處不合的費城管弦樂團不在榜單內，芝加哥、克里夫蘭、波士頓、紐約全都上榜。洛杉機愛樂、舊金山交響樂團榜上有名，給予長年耕耘樂團的兩位指揮薩洛能(Esa-Pekka Salonen) 、湯瑪斯(Michael Tilson Thomas)極大的肯定。

排名第九的布達佩斯節慶管弦樂團和排名第十五的俄羅斯國家管弦樂團均屬新興樂團，布達佩斯二十五前由現任音樂總監伊凡˙費雪(Ivan Fischer)創立，俄羅斯由現任音樂總監普雷特涅夫成立，兩團的入選也直接肯定兩人的成就。

全球前二十大樂團其中唯一的亞洲代表為日本樂團，不過並不是知名度較高的ＮＨＫ交響樂團，而是一九八四年由小澤征爾創辦的齋藤紀念管弦樂團，樂團齊聚優秀的日本音樂家組成，主要紀念小澤征爾的恩師齋藤秀雄，每年只有在暑假舉行的松本齋藤紀念音樂節演出。

01.阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團
02.柏林愛樂管弦樂團
03.維也納愛樂管弦樂團
04.倫敦交響樂團
05.芝加哥交響樂團
06.巴伐利亞廣播交響樂團
07.克里夫蘭管弦樂團
08.洛杉磯愛樂管弦樂團
09.布達佩斯節慶管弦樂團
10.德勒斯登國立歌劇院樂團
11.波士頓交響樂團
12.紐約愛樂管弦樂團
13.舊金山交響樂團
14.馬林斯基劇院管弦樂團
15.俄羅斯國家管弦樂團
16.聖彼得堡愛樂管弦樂團
17.萊比錫布商大廈樂團
18.大都會歌劇院管弦樂團
19.齋藤管弦樂團
20.捷克愛樂管弦樂團

本文摘自 - 中時電子報 2008.11、MUZIK雜誌2009.3

海莉·薇思特拉是薇思特拉夫婦，吉爾和傑拉德薇思特拉的女兒，她有一個弟弟一個妹妹，分別叫索菲（Sophie）和伊薩克（Isaac）。海莉出生於一個音樂世家。她的祖母是一名歌唱家，祖父是一名鋼琴師，並會彈奏手風琴。

她的音樂之路從六歲就開始了。當時在她就讀的小學的一次聖誕演出里她扮演「最小的星」（the Littlest Star）一角色，並有一出演唱部分。在那次表演之後，一位老師發掘了她，聯繫了她的父母，並告之他們的女兒有著完美的天賦。（事實上，她經常被叫做「女喬許·葛洛班」。）海莉的老師鼓勵她學習一件樂器以提升她的樂感。於是海莉便開始學習小提琴。在學小提琴的同時，海莉還練起了鋼琴甚至錄音，並在七歲時就能辨出音符。隨後她開始了聲樂學習，並燃起了對音樂劇的熱情。到11歲時，海莉已經上台演出過不下40次了。

12歲時，海莉去了一間專業的錄音室錄製了《Walking in the Air》。這是一張分發送給家人朋友的初定碟。當時僅僅製作了1000份副本。在錄完那張碟後，海莉就和她的歌手妹妹一起去基督城的街頭演唱。這一對姐妹吸引了一大群人駐足欣賞，其中一名女士問道她們是否曾錄過歌。其實這名女士是一名CTV的記者，她還邀請海莉去電視台作表演。一個演唱推廣公司看到了這個節目，便把海莉簽約到了紐西蘭環球唱片公司。在此，海莉發行了一張以自己名字命名的唱片，其中包括一些很經典的曲目。之後又發行了一張聖誕大碟《My Gift to You》。

儘管海莉在紐西蘭國內已經十分成功，可是她在國際上成名則是在簽約迪卡唱片公司，發行了《純》（Pure）這張融合古典、輕流行和毛利族傳統曲風的唱片之後才開始的。

她的第一張全球發行的唱片《純》獲得了前所未有的成功。這張唱片成為了英國古典音樂榜歷史上銷量增長最快的處女專輯。單單在發行的第一周《純》便獲得19068張的銷量，飆升至英國古典音樂榜的首位，並進入到英國流行音樂榜上第八名的位置。迄今，《純》已經賣出了200萬張。在海莉的家鄉紐西蘭，《純》已經被授予10白金的榮譽，這也使得海莉成為該國歷史上所有音樂流派中唱片銷量最好的歌手。

海莉曾經在一次演唱會上為布萊爾首相、布希總統和英國女王獻藝。海莉還是至今為止最年輕的聯合國兒童基金會大使，並曾以此之名訪問迦納，為當地的女童分發上學騎的自行車。在發行了《純》之後，海莉和她的家人移居至了英國倫敦。在2006年的絕大多數時間裡，海莉都在為她的唱片推廣作巡迴演出。她的父母後來又回到了家鄉基督城。海莉每有空閒即儘可能地回鄉探訪。

海莉為迪士尼電影《花木蘭2》錄製了主題曲。她的首次銀幕演出是在全國廣播公司（NBC）電視劇《American Dreams》第46回里扮演一名酒吧里的歌手。劇中海莉手彈吉它唱著《Who Painted the Moon Black?》。美國公共電視網（PBS）的節目《Great Performances》也作過一次她的特輯。這一特輯的題目是”海莉·薇思特拉：紐西蘭現場”。

海莉是2004年沃達豐杯紐西蘭音樂獎之”紐西蘭最高銷量唱片獎”和”國際成就獎”的得主。她還贏得過兩個日本葛萊美獎（年度單曲《奇異恩典》（Amazing Grace）和年度唱片《純》）。同樣在2004年，她開始了她在紐西蘭、澳洲、日本和英國的世界巡演。她在雪梨歌劇院演出之時，全場座無虛席，場面極為罕見。2004年的最後一場巡演海莉應邀與波士頓交響樂團共同演出，至此海莉成功地以一場聖誕演出在美國東海岸結束了她2004年的巡演。

2005年，海莉為電影威尼斯商人錄製演唱了歌曲《Bridal Ballad》。同年，海莉發行了一張全新的專輯《奇幻歷險》（Odyssey），寓意其成功的音樂之路。這張專輯融合了古典、流行、凱爾特傳統和新世紀等流派。海莉又親自重寫和編排了其中的幾首歌，並於10月18日發行了美國版。最近的一個版本是2006年4月10日發行的英國版，其中添加了幾首最初版本裡沒有的新歌。

2005年12月18日，海莉出現在全國廣播公司的Kurt Browning溜冰表演節目上，並同安德烈·波切利(Andrea Bocelli)共同演出。

2006年，海莉又在電影《新大陸》（The New World）的原聲碟裡演唱了《聽風》（Listen to the Wind）這首歌。她2006年的許多時間都花在了同流行歌劇四重唱美聲男伶(Il Divo)組合一起的世界巡演上。在3月份的時候，她在美國也有過一些自己的專場演出。這次巡演原定結束時間是6月，可卻又延遲了6天時間，為此海莉失去了一次回家鄉紐西蘭的機會。她正安排在夏季結束前在英國和德國舉辦幾場演唱會。

2006年8月，海莉加入了愛爾蘭民樂美聲女子組合——美麗人聲(Celtic Woman)，並出現在了她們的第二張主要DVD/CD大碟 《Celtic Woman - A New Journey: Live at Slane Castle》裡。她的血統來源自愛爾蘭的蒙納根縣，其祖父母上世紀初移民到紐西蘭。

2007年7月，她參與錄製了伯恩斯坦(Leonard Bernstein)的大作——偉大的音樂劇西區故事的50周年重錄，該專輯被提名第50屆葛萊美獎。

2009年7月16日，海莉在高雄2009年世界運動會開幕式上演唱Amazing Grace、月亮代表我的心、淚光閃閃、Pokarekare Ana、The Prayer等歌曲。

2009年10月3日，海莉於中秋節時在台北國家戲劇院演唱Ave Maria(萬福瑪麗亞)/、A Thousand Winds(化作千風)/、Danny Boy(丹尼男孩)、Hana、Hine E (女孩啊，女孩)/…等曲目，並再次演唱月亮代表我的心、淚光閃閃、Pokarekare Ana、The Prayer。

海莉 Hayley & 信 Shin 月亮代表我的心 2009高雄世運開幕典禮

淚光閃閃

參考資料:
維基百科

官方網站:
http://www.hayleywestenra.com/

在世界音樂的大家族裏，譚盾無疑是最令華人為之驕傲的名字。自八十年代初以個人創作《風雅頌》一鳴驚人之後，他就一直以新穎而富有創造力的實踐活躍于樂壇，不僅深受業內的好評，且對世界樂壇產生了不可磨滅的影響，他的音樂跨越了古典與現代、東方與西方的眾多界限，他的不同尋常的音樂理念和中國文化的底蘊讓他走出了一條超越常規的音樂創作之路。

從百老彙的拉瑪瑪劇場到卡內基音樂廳，從奧斯卡頒獎典禮到格萊美的主流流行音樂舞臺，到處都有譚盾活躍的身影。他鼎盛的創作能力不僅為中西文化的融會鋪設了橋梁，更為古典藝術與現代藝術的互通打開了道路。對於古典音樂愛好者來講，譚盾無疑是一座豐碑，是一面帶有濃郁東方文化色彩的文藝旗幟。但對於更多人而言，譚盾同樣是一位經常以電影為載體與大眾做溝通的電影音樂大師，是一個由古典文藝向流行文藝跨界的離經判道者。

1957年8月18日，譚盾出生於湖南長沙郊區思茅衝，自幼深受中華楚文化的影響，從小聽道家巫術的鬼哭神號長大，所以在他的作品中談鬼的色彩相當濃厚(他在1994年的作品《鬼戲》、1998年的《牡丹亭》、1999年的二胡協奏曲《火祭》、以及2000年在台北首演的多媒體歌劇《門》，都是很好的例子)。譚盾帶有湖南人典型的騾子脾氣，小時候硬是違背家人要他學醫的願望，拿著破舊的琴自己苦練。

文革時期，譚盾高中未畢業就被下放到農村插隊，後來因自己有著拉胡琴的手藝，就被安排在當地縣京劇團開始了他人生最初的音樂生涯。1978年，中國結束了十年政治動蕩，全國恢復高考。這一年，譚盾以“農民音樂家”的身份被地方推薦，參加了音樂院校的考試。他帶著一把只有三根弦的小提琴，憑著一股執著的韌勁打動了招考的老師，奇跡般地考入了中國音樂教育的最高殿堂中央音樂學院作曲係，師從趙行道、黎音海直至獲得作曲碩士學位。

大學時期，譚盾憑著對音樂較高的靈性以及刻苦發奮的勁頭，逐漸成為同期學員中的佼佼者，被譽為當時中央音樂學院著名的“四大才子”之一。在1979年時，也就是他22歲的那一年，譚盾創作了第一部交響樂作品《離騷》，就因使用了鼓、蕭等當時被認為是前衛的音響和技術而引起爭議。被同學郭文景稱“絕對是個天才”的他在1983年以交響曲《風雅頌》贏得國際作曲大獎(Weber prize in Dresden)，1984年舉行的“譚盾中國器樂作品專場音樂會”發表了《天影》及《雙闕》等多首曲目，引起不少批評，卻也震撼了當時的民樂界。由於堅持在聲音、技術上的不斷探索，他被認為是中國先鋒音樂的重要代表人物。到美國後的譚盾也曾有過在街頭拉琴謀生的經歷，1989年，一首以自製樂器演奏的作品《九歌》問世後，譚盾終於在國際樂壇獲得成功，並不斷以令人驚奇的創作成為越來越被國際樂壇矚目的重要作曲家。1986年，譚盾獲美國哥倫比亞大學獎學金，隨大衛·多夫斯基及周文中學習並獲得博士學位。至今譚盾旅居於美國紐約。

這首曲子其實最讓人感動的地方除了曲子本身就非常的優美，還有因為這首指定曲，來自世界各國的好手，演奏自己拿手的樂器，上傳自己的影片，為了能在美國卡內基音樂廳表演，無不使出渾身解數。下列有段影片，是許多上傳影片的參賽者用各種樂器演奏這首”英雄”剪接出來的版本。下面的回文不知道哪個國家的朋友，他說:Whenever I hear this I cry. They are all so beautiful together. I can feel their passion for music, just like I feel. My insturment is french horn. This is just so wonderful. (無論何時聽到這首曲子都讓我感動到哭泣，不同的樂器組合出來的樂音是如此的美妙，我可以感受到他們對音樂的熱情，就像我所感受到的。我是吹法國號的。這是多麼的美妙。)的確，就像他說的。這首曲子真的相當好聽，讓人感受到希望和熱情。尤其這個版本是由世界各地的人所演奏出來的，所以才有人說:its a great way to bring the world together.(這是一個讓世界連結起來的好方法。)下面PO出剪接版本跟正常版本，正常版是由LSO倫敦交響樂團所演奏的。明年的3/26譚盾將來台灣指揮國家交響樂團演出這首曲子，喜歡這首的朋友千萬不能錯過。

參考資料:

http://big5.chinataiwan.org/twrwk/ywysh/200804/t20080430_633801.htm

Mario Gadda家族的作品特色，是擁有極強工藝實力和渾厚獨特的音色。

G.aetano. Gadda (1900~1965)於1919年跟隨Stefano Scarampell (Montua學派始祖)(1834~1927) 成為門下唯一的學生，並於1925年自立門戶。

Mantova學派崛起，也與地理位置相近的傳統克雷蒙那(Cremona)學派互別苗頭，為20世紀初葉義大利提琴製作百家爭鳴最好的寫照之一。

Mario Gadda(1931~2008) 出生於義大利的Mantova，有著和畢卡索一樣堅毅的面容，Mario Gadda的提琴工藝師承父親，在17歲跟隨父親做琴，血緣關係上順理成章成為Mantova學派正統的大師傳人。

半個世紀以來，Mario Gadda早已是製琴名家，其手工精緻完美為家族成員中最優秀的作者之一。他的提琴體形為飽滿風格，間接影響Mantova學派的發展，這反映出當時Mantova地區偏好的設計風格與當時Cremona學派相當不一樣；Mario Gadda家族除了遵循Scarampella的風格、外觀的藝術性外，在漆料及上漆的方式具備獨一無二的風格。

在提琴的選材上，Mario Gadda使用了傳統Mantova地區製琴師常用的一種楓木「Obbia」。這種作為防風林的楓木，有著相當好的質地，及獨特的木紋，加上Mario選材的眼光獨具，讓他所製作的提琴能夠有著相當不錯的音質，具有音量渾厚、音色非凡的色彩，與Cremona提琴的亮麗音色對比強烈！目前現存的作品相當稀少，一生中的作品約400件，Mario Gadda的黃金顛峰時期為1950~1980年之間，價值也最高。

Mario Gadda也相當擅長仿製Mantova製琴大師Stefano Scarapella與其父親Gaetano Gadda的作品，於提琴作品內部，會有兩張標籤，一張是仿製作者的標籤，另一張則是他自己的標籤。

註：Mantova，一個富有藝術和歷史的城市，位於義大利北部的中央(米蘭的東方)，風格別緻，韻味獨存令人驚嘆。城市大氣而輝煌，有著高貴的家族傳統和文藝復興時期的華麗庭院，充滿貴族的氣息。

九歲開始學鋼琴，十五歲時接受小提琴訓練，並開始自修音樂理論並嘗試作曲。由於他的小提琴拉得相當好，所以一度希望自己能成為一個小提琴家，然而十九歲時，為了順從家人的意願，還是進入了赫爾辛基大學修讀法律課程，不過同時也在音樂院中選修小提琴及作曲。

隔年冬天，因為對音樂的熱愛持續增強，使他決定放棄法律並專注於音樂，所以便轉往音樂院就讀。離開學校後，西貝流士於該年年底得到政府獎學金，使他可以前往柏林音樂院繼續進修，一年後又前往維也納跟隨高德馬克和佛克斯學習。在高德馬克指導下，西貝流士的管弦樂法有很大進步，不過他個人獨特的管弦樂風格則是在回國後才逐漸確立的。

1890 年芬蘭因受俄國暴政的壓迫，全國掀起了一股愛國抗暴的風潮。西貝流士於 1891 年返國後，自然也深受同胞愛國精神影響，因此根據芬蘭史詩〈卡列瓦拉〉做為藍本寫作了一首由獨唱、合唱及管弦樂團演奏的樂曲 ” 庫列弗 “，並於 1892 年 4 月在赫爾辛基首演。儘管曲中所運用的創作手法仍不夠成熟，但已顯示出西貝流士的獨特氣質以及他對大自然與本國神話的深刻喜愛。同年，27 歲的西貝流士與芬蘭著名藝術家庭的艾諾 . 雅妮嘉小姐結婚。同年還接受芬蘭指揮家卡揚努斯邀請，寫了一首頗具新意的交響詩 ” 傳奇 “，也因這首交響詩的發表開始受到國際樂壇注意。

1893 年應聘返回母校擔任音樂理論老師，並於該年完成 ” 卡瑞利亞 ” 組曲。此後至1897 年間，陸續寫出管弦樂組曲 ” 春之歌 “，四部交響詩組曲 ” 雷敏凱連的傳奇 ” 等為數不少的鋼琴曲、歌曲與合唱曲。由於他這些年的傑出表現，芬蘭政府於 1897 年決定頒贈他每二千馬克年金，好讓他可以無後顧之憂地安心從事作曲。

1899 年，完成交響詩 ” 芬蘭頌 “，由於芬蘭頌具有激發芬蘭人民愛國情操的力量，因此在俄國統治期間遭到禁演，然而在芬蘭境外，世界上許多國家卻不斷將它排入音樂會的曲目。芬蘭頌引起世人對芬蘭抗暴運動的注意，並促成了芬蘭的獨立自主，所以它深具時代意義。同年，西貝流士也完成第一號交響曲，邁出成為重要交響曲作曲家的第一步。

1902 年西貝流士在赫爾辛基首演第二號交響曲，1903 年完成唯一的一首小提琴協奏曲，這首作品是本世紀重要的小提琴協奏曲傑作之一，不過首演成績不好，主要是聽眾覺得第一樂章太過冗長，因此西貝流士在 1905 年又對此曲做了若干修正，現行所流通便是修訂後的版本。

1903 年完成管弦樂曲 ” 悲傷圓舞曲 “，這首曲子原來是他為戲劇 ” 死 ” 所寫劇樂中的一首，現今同樣成為音樂會上最常被演出的西貝流士曲目之一。

1904 年西貝流士在赫爾辛基近郊的嘉文帕蓋了一幢別墅，該地景色優美，此後一生中大部份的時間都居住於此，許多重要的作品也都在此處醞釀完成。

1906 年完成交響詩 ” 北國女兒 “，1907 年親自指揮首演第三號交響曲。同年完成了交響詩 ” 夜騎與日出 “，該曲所呈現出來的音色對此及流暢旋律，常使聆賞者留下深刻印象。1911 年發表第四號交響曲，創作風格有大轉變。此曲中西貝流士採用許多大膽的創新手法，使樂曲充滿新奇的樂念，另外這首曲子也因為使用樂器比過去的作品少，而呈現出極為濃縮的室內樂風格。第四號交響曲不論是在他個人創作生涯或是在交響曲音樂形式的發展，都是一個重要的里程碑。

1914 年訪問美國受到熱烈歡迎，在諾福克音樂節中指揮演出自己的作品，曲目包括 ” 芬蘭頌 ” 、 ” 北國女兒 ” 、管弦樂組曲 ” 克利斯欽二世 ” ，以及專為這個音樂節而特別寫的具有印象派風格的交響詩 ” 海洋女神 “。音樂節結束後，耶魯大學頒贈了名譽博士學位給西貝流士。自美返國後，西貝流士開始寫作第五號交響曲，此時因為歐戰的關係，炮聲時常打斷他的工作，所以這首作品直到隔年秋天才完成，並在該年 12 月 8 日 50 歲生日當天，在赫爾辛基的特別慶祝音樂會上首演。

1923 年他推出第六號交響曲。1924 年完成只有一首單樂章的第七號交響曲。雖然第七號交響曲只有一個樂章，但西貝流士卻巧妙地將傳統交響曲四個樂章的要素織入其中，因此有評論家認為這是西貝流士最具特色的一首交響曲，也是他的交響曲中最崇高不朽的傑作。

1925 年應紐約愛樂交響樂團委託，寫作交響詩 ” 塔比奧拉 “，另外也應哥本哈根皇家劇院的邀請，為戲劇 ” 暴風雨 ” 譜寫劇樂。在完成這兩首作品後，西貝流士就很少再創作，自 1929 年起直到去世為止，不曾再有任何新作發表。雖然在後半生有將近三十年不再寫曲，可是在芬蘭人民心目中的崇高地位並未因此降低，當他七十歲時，芬蘭政府還特別將他的生日訂為國定假日，而且當他過七十五歲、八十歲、八十五歲及九十歲生日時，芬蘭政府也都分別為他舉行了盛大的祝壽活動，以表達對這位樂壇耆宿的崇偉敬意。

1957 年 9 月 29 日逝於嘉文帕的別墅，享年 92 歲。

巴洛克時期迄今，北歐斯堪第納維亞地區的國家中只有挪威的葛利格和芬蘭的西貝流士是大家所最熟悉的。葛利格以抒情及譜寫小巧形式的音樂見長，西貝流士以擅長於寫作雄渾、壯闊的大型管弦樂曲而知名。有論者甚至認為西貝流士是繼貝多芬和布拉姆斯之後最傑出的交響曲作曲家，因此雖然葛利格和西貝流士同樣是北歐國家中最具知名度的作曲家，但是他們兩人的音樂其實有著相當大的差異。德布西曾說：葛利格的音樂就像是『包著雪的粉紅色軟糖』﹐但西貝流士可不一樣。他的音樂沒有雪花飄舞期間的安適慰藉，沒有美麗冰池塘上愜意的華 麗景致，也沒有沈浸在耶誕佳節歡樂中的自我陶醉，只有存在冰天雪中尖銳刺耳的聲音與殘酷的現實，疊雪覆冰的森林以及欲催毀一切的無情暴風，既呈現了北歐的淒絕景色，也刻畫出人類心靈的荒原。

芬蘭頌

參考資料：

http://www3.ouk.edu.tw/wester/composer/composer033.htm

這部作品有兩個獨特之處。通常五重奏的編制都是鋼琴加上一組絃樂四重奏（即兩把小提琴、一把中提琴、一把大提琴），也稱為鋼琴五重奏。聽這部作品要注意低音的效果，注意大提琴低音提琴與鋼琴的對比，別忘了舒伯特是為大提琴演奏家所作。而舒伯特的這部作品，卻是由鋼琴與小提琴、中提琴、大提琴、低音大提琴所組成。減少了一把小提琴，增加了一把低音大提琴，使作品的低音聲部渾厚、深沉。強大的低音使人倍感過癮。特別是現代的愛樂者，有了出色的聆聽器材對低頻的最佳表現，加上人們對低頻的偏愛，在此曲中便可盡情地享受了。這部作品的另一個獨特之處是整部作品由五個樂章構成（一般為4個樂章）。全曲便形成了一首規模較大的室內樂作品。
　

這首《鱒魚》篇幅將近40分鐘。整個作品看作對溪水、魚、漁夫以及三者關係的表現。第一、第二樂章漁夫還沒出現，所以是魚與水在那樣一種幽靜而美麗的自然裏的美妙交融。第一樂章鋼琴表現的魚的戲水，簡直能感覺到尾鰭在水中舒展和它濺起的水花在陽光下呈現出豐富的色彩。而當弦樂表現水流的交叉融合之後，鋼琴反過來再表現溪水的清澈與晶瑩，弦樂變成魚兒在水中像箭一般穿梭。這種戲水的神妙只有在舒伯特音樂中才可以聽到。

舒伯特的音樂常常是圍繞一個極抒情的舞蹈化音型不斷地通過輕重變化處理，變化出一連串精緻的趣味。比如這個作品的第三、第五樂章。這些自然的、不是刻意得來的趣味中有太多的神秘性，這也是舒伯特音樂中甜美的舞蹈性可以甜而不膩的真正原因。

音樂的開始便以鋼琴輕快的動弄聆聽著的心弦,隨著音調的轉換呈現出不同的心情變化,讓人聽著意會小溪潺潺流水清撤,一條條的鱒魚悠游其中,卻遭釣客破壞了一池清水,音樂中的變調轉折是那麼突兀,如同當下的心境一樣.

第一樂章 Allegro vivace

甚快板，奏鳴曲式。由鋼琴琶音導奏展開的奏鳴曲式樂章，接著小提琴唱出了優美寧靜、樸素安祥的主部主題。主題稍作擴展後，鋼琴奏出了頗富抒情風格的副部主部。在較嚴謹的展開部和再現部後，音樂以短小的尾聲結束。這個樂章具有溫婉明快清澈的感覺，樂思優美而浪漫。在配器上，由於弦樂部分的音域及音色涵蓋了小提琴的高音至低音大提琴厚重的低音，所以從樂章的開始即能感受到音樂的寬廣性及飽滿。

第二樂章 Andante

行板，二段曲式。是個F大調的行板，是由三大段性格不同的主題旋律A、B、C構成，在這裡透過聽覺判斷即可聽出三個不同的主題。整個樂章靜謐輕柔，鋼琴奏出縷縷飄彌著奧國北部阿爾卑斯山嶽地帶氣氛的歌謠風的旋律。中提琴抒情的吉普賽風格曲調交織著既溫柔又憂愁的情感。二段音樂在反復後結束。這個樂章形式單純，但相當嫵媚和可愛。整個樂章較大的特色是全曲架構為ABC+ABC，第一次的ABC三段已分屬於不同的調性，而第二次的ABC又是在另外的調性上，由此亦可發現遠係調是如何自由地為舒伯特所運用。

第三樂章 Scherzo - Presto

是一首快三拍子的詼諧曲。急速、輕快而精神充沛的主題以及弦樂與鋼琴的問答顯示出詼諧的情緒，音樂散發著活潑熱情的民族舞蹈精神，似乎是寫下一個深具民族個性風味的舞曲。中段的Trio則雖較具旋律感，是維也納舞曲風的恬靜而又愉快的音樂，但依然洋溢著民族風格。

第四樂章 Andantino - Theme & variations

小行板。「主題與變奏」應可算是全曲引人矚目的樂章，由一個主題及五個變奏及一個尾奏所構成。「主題」部分即是取自舒伯特自己藝術歌曲鱒魚的主題，是D大調的弦樂四重奏，由小提琴、中提琴、大提琴及低音大提琴演奏。根據這個主題，後面共發展了五個變奏。在前三個變奏當中，舒伯特所採的是定旋律變奏手法，即有一聲部保留了主題原型不變，其它聲部配合著予以變化。

第一變奏由鋼琴彈出，鋼琴雙手八度奏出主旋律，小提琴奏出宛如游魚之對位，低音大提琴則以撥弦奏出節奏感。臉炙人口的旋律描繪了深山溪流中自由悠遊的小鱒魚。

第二變奏由中提琴主奏，中提琴長音空檔適時加入鋼琴。

第三變奏是由大提琴與低音大提琴八度齊奏主旋律，演奏出渾厚的主題，沉重的音樂似乎令人感到了漁夫的腳步聲，而鋼琴以32分音符快速的一對四的對

位(低音大提琴齊奏每個音對鋼琴四個音)十分精彩。

第四變奏轉到d小調再轉F大調，三連音的節奏感非常強烈，綜合了性格及音型上的變奏，穿插著大小調調性上的變化，是強大的和絃和陣陣的哀傷， 好像是漁夫撒網和小鱒魚的掙扎。

第五變奏是個優美如歌的段落，大提琴奏出主旋律宛如同情和憂傷。

尾聲中優美的主題以不同的風貌再現，再次回到主題原型稍快板，主題旋律這回是由小提琴與大提琴共同合作主旋律完成，加上鋼琴三連音的活潑，訴說著自由歡樂的永恆和美好終將到來。

第五樂章 Allegro guisto

適度的快板，二段曲式，這又是一個舞曲風格的表現，兩個重要主題分別是以節奏為主導的性格模式，及旋律式的舞曲風味。華麗而充滿力感的音樂充滿表現了在夏季愉快的旅行中明朗而寬闊的胸懷和對大自然的熱愛。音樂在歡樂的情緒中結束。

鱒魚五重奏最為人津津樂道的版本就是由Daniel Barenboim，Itzhak Perlman，Pinchas Zuckerman，Jacqueline Du Pre ，Zubin Mehta等演奏家在年輕時所演出的版本．當中除了杜普蕾已經過世，其他現在在音樂界都是赫赫有名大師級的人物．

參考資料：

http://www3.ouk.edu.tw/wester/composer/Introduction/Schubert/Trout.HTM

1945年帕爾曼出生於以色列台拉維夫，雙親是戰後來到以色列的波蘭猶太移民，身為獨子的他在四歲時不幸發生小兒麻痺，帕爾曼不但未因此而消沉，反而開始學習小提琴。13歲時，他獲選參加美國「艾德．蘇利文秀」（Ed Sullivan Show）節目的演出，帕爾曼超越同儕的小提琴技法頓時讓製作單位驚為天人！並立刻邀請他加入成為「蘇利文演奏團」之一員。帕爾曼也得此良機隨著樂團巡迴美國各地演出。大大增加舞台現場演奏的磨練機會；而這也促成他進入茱莉亞音樂學院繼續深造。在這段求學生涯中，帕爾曼更有幸先後接受當時美國相當著名的小提琴教授賈拉米安（Ivan Galamian）與素有「小提琴教母」之稱的朵蘿西．狄蕾（Dorothy Delay）之指導，兩人在小提琴技法與音樂態度上給了帕爾曼正確的觀念，對他日後的演奏生涯有著相當正面的助益。

1964年是打造帕爾曼國際舞台相當關鍵的一年，帕爾曼參加該年於卡內基音樂廳舉行的列文崔特大賽（Leventritt Competition），勇奪桂冠。這項比賽在美國一向享有盛名，在此奪魁的音樂家除了獎金之外，還能得到與著名樂團合作之機會，故被視為音樂新秀成名的跳板。而帕爾曼精湛的琴藝也順利的藉此良機正式敲開世界舞台的大門。此後，世界著名樂團爭相邀請帕爾曼同台演出，而他所到之處，更是受到熱烈的歡迎。此時的帕爾曼也不過20出頭的歲數，但其巨星地位卻已然成型。

多年來，帕爾曼留下相當豐富的錄音資產，這些作品不僅廣獲樂壇好評，亦是樂迷心目中的經典名盤。而從這些錄音亦可看出，在鑽研傳統的小提琴曲目多年之後，帕爾曼逐漸將演奏延伸至其他範疇，除了當代古典音樂之外，還包括像是「In the Fiddler’s House」等之猶太音樂、或是如「新天堂樂園」、「辛德勒的名單」、「英雄」等電影主題配樂等，都得到市場與評論雙方面極高的評價。帕爾曼曾獲得4座艾美獎，更囊括15座葛萊美榮耀，並著有「帕爾曼的奮鬥歷程」一書闡述自己的心路歷程。

近年來，帕爾曼更嘗試放下小提琴，嘗試更廣泛的領域，1994年他在紐約長島創辦了帕爾曼音樂學校。同時，他將觸角伸往指揮領域上，亦博得樂迷的喝采。如今指揮與小提琴獨奏都是帕爾曼音樂演出的重心，相輔相成，他表示「兩者都是詮釋音樂，不同的是，則是如果獨奏，自己可以控制品質；如果是指揮樂團，很難控制。」目前帕爾曼是底特律交響樂團的首席客座指揮。
已逝的小提琴教父史坦對帕爾曼的評價是：「他的天賦全無界限。他有雙大手，在鋼琴上可以夠上12度，他手指上的功夫不容置疑的準確和精緻。」最令人讚賞的是他在精確無瑕的指法下，猶能散發出從容的活力與熱情，深厚的音符感染力，深深吸引聽眾的注意力；即使是小品，帕爾曼都能讓它們呈現不凡的氣度。這是一種不論技術性或音樂都值得細細品味的高度演奏境界，也正是這般風采，讓帕爾曼縱橫樂壇數十年而不墜。帕爾曼曾在1994年與2002年兩次訪問台灣演出，都受到台灣樂迷的熱切喜愛。

結語

被喻為當今最炙手可熱的小提琴家－帕爾曼，在錄音數量上已直追海飛玆、曼紐因等大師。在舞台上的他對音樂的投入又是那麼地深，鬈曲的黑髮，臉上不時泛起的可親笑容，可以感覺得到他與舞台下的觀眾們是多麼地親近，對他自己指下的音樂又是那麼地執著。執著將音樂透過他相當個性化的詮釋，傳達而出的旋律，是一種溫馨的情感，游刃有餘的琴技展現，以及愉悅的音色。莫怪乎帕爾曼儼然是身價最高的小提琴藝人。

帕爾曼所演出的幸德勒的名單

參考資料:

http://tw.myblog.yahoo.com/jw!ivj9FnWBQkFXYoDtxu1rrg–/article?mid=251

維基百科

拿著名的ＢＥＡＴＢＯＸ來說，就是利用人的聲音來詮釋各種不同類型的節奏，讓人聽起來就是在聽ＤＪ的轉盤似的。ＢＥＡＴＢＯＸ只是一個種類。其他還有很多不同的類型演奏方式。像是韓國有個打擊樂團，他們是用廚房的做菜用具所敲擊出的聲音來演出，相當的有趣。所以，二胡可能會跟小提琴合奏，人們甚至可以用聲音來演出古典音樂或是各種應該是要用樂器所演奏的曲目。以下就列出一些很特別，一般人比較難想像的音樂演出類型，相當的有趣。這些特別的演出方式讓我們對我們正常思維裡所想像的不太一樣，但是這樣的演奏形式一樣可以演奏出動人的旋律。

（１）當中國樂器碰上西洋樂器

由不同文化的樂器，演奏名作曲家－久石讓經典配樂魔法公主，由中國的二胡跟古箏，搭配西洋的小提琴以及鋼琴。這樣形式的演出一樣令人動容。

（２）高科技的音樂

這首曲子所有使用的樂器所發出的聲音，都是由ＷＩＮＤＯＷＳ９８以及ＸＰ裡面的音效所產生的音樂，非常的有趣，或許你會覺得奇怪，但是看看他曲子結束後的教學，就會發現真的都是來自ＷＩＮＤＯＷＳ自建的音效。

（３）用球彈鋼琴

就像這位達人說的，任何人都會用手指頭彈鋼琴，但他用幾顆小球來彈鋼琴。這絕對是個讓人嘆為觀止的表演。

（４）不是歌劇也不是聖歌，人聲所唱出的古典音樂

在古典音樂裡還是有很多是由人聲所演奏出來的音樂，但是這首１８１２序曲本來是該由交響樂團所演奏的，甚至需要真的大砲的聲響，他們只用了最天然的樂器，人聲，就可以演奏出需要由交響樂團才能演奏的曲子。

（５）人聲的極致，ＢＥＡＴＢＯＸ

沒聽過厲害的ＢＥＡＴＢＯＸ，你不會知道老天爺賜給我們最天然的樂器有多厲害！

沒有人規定音樂一定要按照什麼風格什麼類型或是用什麼樂器演奏，只要夠厲害夠好聽，我相信哪天有人拿起嗩吶演奏起周杰倫的黑色幽默都不會令人感到驚訝吧。